Arte vs. Idiotez.

Hilas y las Ninfas de John William Waterhouse (1896)

Esta obra prerrafaelita de J.W. Waterhouse ha sido sorpendentemente retirada de la Manchester Art Gallery por convertir al cuerpo femenino en un objeto.

Esta pieza narra a Hilias, uno de los argonautas, cuando al ir a buscar agua a un lago, se topa con un grupo de ninfas, desapareciendo para siempre.

La retirada del cuadro, según alegan los responsables del museo, no se trata de una censura, sino de un acto para reflexionar.
En el hueco  que ha dejado la obra se ha habilitado un espacio para que los visitantes dejen su opinion.

Si, como se dice, no es censura sino una reflexión de como se representaba el cuerpo de la mujer, no se entiende la retirada tanto del catálogo, como de la web o incluso de todo tipo de merchandising del cuadro. Que alguien me explique como se puede generar debate de algo que no podemos ver.

También hay que dar un premio a quien haya descubierto que la mentalidad renacentista pueda ser "un tanto" machista. Pero bueno, está claro que hay que evitar a toda costa, que nuestros hijos cojan los valores de la mitología griega y de un pintor renacentista que tenía la desfachatez de pintar jovenzuelas de buen ver. Si al menos hubiera sido como Rubens o Botero y las hubiera pintado gordas.

Quizás los ideales de los artistas renacentistas o modernos no sean los que queramos transmitir, pero desde luego los valores que nunca querría transmitir serían los de personas que en vez de compartir el arte se dedican a ocultarlo.

Señores, si no les gusta la obra o les ofende a sus principios, regálenmela, que yo la cuelgo en mi salón. Aunque igual queda un tanto pretencioso junto a los muebles del Ikea.

El mejor cartel de Cine

Siempre me ha fastinado arte de la cartelería de cine, principalmente el genero de terror. 

Estos carteles, indiferentemente de la calidad de la pelicula a la que representaban, suponen un arte digno de contemplar.

En la buena cartelería, no siempre lo más llamativo después del titulo de la película debe ser el nombre de los actores, sino una frase promocional, que debía ser lapidaria e impactante. Lamentablemente esta bonita tradición se esta perdiendo últimamente. Ahora esta de moda que la frase sea "Del director de..." o todavía peor "De los productores de...." normalmente mencionando una película ya de por si de dudosa reputación que de poco reclamo va a servir.

Aun recuerdo esas frases míticas como el, "Ellos muerden" de Critters o el "Si no te has asustado es que ya estas muerto" de Phantasm. Frases que mezclaban de forma magistral una rima pegadiza, con algo inquietante y mucho humor negro.

Sin embargo, por mucho que existan innumerables carteles inolvidables, creo que solo uno se merece el titulo al mejor cartel de la historia por su conjunto total. Una obra que simplemente hay que observar y disfrutar. 

Película: Dracula se ha levantado de la tumba. 

Frase promocional: Obviamente. 

Resultado: Genialidad.

Una cartel del año 68 con marcado aroma setentero que le da un toque especial.

La sabiduría en la muerte

En todos los momentos de la vida hay que saber aprender algo y encontrar su belleza. Bueno, y si en todos los momentos de la vida hay que hacerlo, porque habría dejar de hacerlo en la muerte.

Todo esto es para introducir esas obras de arte que todos desearíamos tener colgadas en el salón para darle un toque de elegancia a nuestras veladas. Y para ello nada mejor que autopsias.

Thomas Eakins realizo una obra maestra con esta clase magistral "The Agnew Clinic". Donde rinde homenaje al cirujano David Hayes Agnew que se retiraba de la enseñanza de la universidad de Pensilvania.

Thomas Eakins "The Agnew Clinic"

Enrique Simonet le dió otro enfoque en "La Autopsia" donde consiguió plasmar la belleza de la muerte como fuente de sabiduría.

Enrique Simonet "La Autopsia"

Pero en la enseñanza no siempre tiene que predominar la belleza, pero igual mejora si le añadimos un mono. O eso es lo que debió pensar John Banister mientras haciía esta tablilla didáctica.

John Banister

Rembrandt también hizo su representación de una lección de anatomía durante una autopsia.
Y aunque no se ajuste exactamente a lo que entendemos por autopsia también compartiré una obra sobre la singular belleza en la muerte.

Rembrandt "Anatomische les van Dr. Nicolaes Tulp"

Rembrandt "Le Boeuf écorché"

Por último no podía olvidarme de Jeroen Van Aeken, más conocido como El Bosco.

Tampoco se trata de una autopsia propiamente dicha, pues se trata de una intervención en un paciente vivo, pero teniendo en cuenta que con este tipo de operaciones la muerte no estaba muy lejos he considerado oportuno incluirla.

La obra en concreto se llama "La extracción de la piedra de la locura", una operación que realmente se realizaba en la que se pensaba que la culpable de la locura era una piedra incrustada en el cerebro que se podía sacar mediante una trepanación (agujereamiento el cráneo). Por supuesto la interpretación del Bosco se acerca más a la sátira que a la divulgación científica. 

El Bosco "Extraction of the stone of madness"

Inquietante Belleza

Hacía ya mucho tiempo que no se hablaba en este blog sobre la pintura y en Alicante Bizarro queremos seguir siendo de los pocos que si se nos habla de Artes Gráficas no piense en Photoshop o Instagram.

En este caso hablaremos de esos cuadros que muchas veces te da miedo mirar pero es imposible apartar la mirada de ellos. Esos cuadros que no por su perfección o por su belleza atraen sino porque parecen tener  magnetismo, cabiendo la posibilidad de que si lo miras fijamente el cuadro se pueda apoderar de tu alma.

Este tipo de cuadros no son característicos ni de un estilo o de un autor concretos aunque quizás podríamos decir que muchas veces si es más fácil encontrar estas inquietantes obras de arte dentro del simbolismo pictórico.

Die Toteninsel (Arnold Bocklin)

El primer cuadro que quiero comentar es posiblemente una de mis obras de arte favoritas, La Isla de los Muertos de Arnold Bocklin. La obra de Böcklin fué de las más valoradas de principios del siglo XX. llegando a decir Nabokov que en todas las casas de Berlin podías encontrar una obra suya. Este obra en concreto también adornaba las oficinas de Lenin o Freud (además de ser uno de los cuadros favoritos de Hitler, que estaría como una cabra el hombre pero hay que reconocer que en cuestiones estéticas pensaba a lo grande)

El cuadro se piensa que esta basado en el "Cementerio Inglés" de Florencia, donde se encuentra enterrada la hermana del autor, y la ubicación  en una isla hace referencia a la soledad sufrida por la perdida y el simbolismo del barquero hacia el más allá.

Franz Ritter von Suck fué otro de los autores representativos del simbolismo, y un artista del que vale la pena observar toda su obra detenidamente. 

Wilde Jagd (Franz Von Stuckt)

Su obra Wilde Jagd ( La cacería salvaje) tiene un halo de misticismo más allá de lo inquietante que resulta el lienzo por si solo. El Wilde Jagd es una tradición folclórica anglo-sajona y germánica, una versión de los cuatro jinetes del apocalipsis. Esta representada por unos cazadores fantasmales, y al frente de ellos, encabezando la cacería, deidades o legendarias figuras históricas.

La cacería salvaje es un símbolo que predice la llegada de una plaga y catástrofe, y en el mejor de los casos únicamente sera la muerte del que presencie la espectral cabalgata.

Hasta aquí parece simplemente un poco de folclore y poco más pero resulta más inquietante saber que Franz Von Stuckt finalizó el cuadro Wilde Jagd en 1889, el año de nacimiento de Hitler, y resulta más curioso la similitud del personaje central en este cuadro con el personaje histórico y más teniendo en cuenta el simbolismo asociado al Wilde Jagd.

Rosa Mística (Francisco Laporta Valor)

Y podría seguir mostrando infinidad de obras que parecen tener alma propia si no es apoderarse de la de uno mismo. Otros cuadros quizás tienen menos historia y sus autores menos renombre pero el aura creada por estos no deja de impresionar. El Alcoyano de principios del XX en su cuadro Rosa Mística es digno de mención, y más teniendo en cuenta que es un cuadro del que he podido disfrutar en persona. Y sino la Barca de Caronte del valenciano José Benlliure, o incluso la sorprendente Madonna de Edvard Munch siempre viviendo a la sobra de El Grito. 

Maddona (Edvard Munch)

La Barca de Caronte (José Benlliure y Gil)

Arcimboldo: Ese bodegón me mira fijamente.

Giuseppe Arcimboldo.
(1527-1593)

Este milanés del siglo XVI ha perdurado con su legado hasta el día de hoy por el mismo motivo que la mayoría de los artistas, por no hacer caso a su madre. Concretamente Giuseppe  ignoró esa premisa de todas las madres de "...con la comida no se juega...".

Sin embargo a pesar del disgusto que le daría a su madre, por lo demás ha sido un gran influencia para innumerables artistas. Admirado por sus coetáneos y referente para genios posteriores como Dalí.

Obra titutada Summer de su serie de Las 4 Estaciones

Maximiliano II y familia.

Muchos son los que cuestionan la cordura de este artista, pero siempre se tacha de esto a las grandes mentes privilegiadas de todos los tiempos. Porsupuesto que Arcimboldo ha realizado trabajos menos "grotescos" ¿pero que sería del arte sin lo grotesco?.
Además si observamos su obras más convencionales, como puede ser el retrato familiar de Maximiliano II, lo que podemos asegurar es que su nombre no estaría mas que  perdido en la lista infinita de pintores renacentistas si se hubiera centrado en esta faceta. 

Lo que si es quizás más llamativo es que también diseño vidrieras, más concrétamente una bastante imponente de la catedral de Milán.

Pero centrándonos en sus obras más conocidas hay que reconocer su magnificencia, algo entre la genialidad demente de Dalí y la precisión matemática de Escher. Uno de los cuadros que mejor plasman esa esencia especial es "The Vegetable Gardener". Vale la pena detenerse a ver el cuadro invertido donde nadie sospecharía la humanidad que puede tener un bol lleno de vegetales.

El jardinero de vegetales (The Vegetable Gardener)

Pero Arcimboldo no se encasilló solo en vegetales, sino que expandió su repertorio a todo tipo de alimentos e incluso objetos, desde peces y flores, hasta libros.

ée que a partir de ahora os resultará difícil ver un bodegón y no girar la cabeza para si al revés es el retrato de una persona, pero la genialidad de Giuseppe Arcimboldo es la de uno entre un millón. 

Bueno, aunque igual simplemente el bueno de Giuseppe en uno de sus encargos de retratos de la nobleza como no paraban quietos dijo: "A tomar por saco, voy a pintar verduras que se mueven menos". Es que las grandes ideas surgen de las mayores tonterías (así que yo debo estar a punto de convertirme en un genio).

P.D.: Ahora me ha entrado la duda de ....¿Sería Mr Potato una idea original de Arcimboldo?

Frank Frazetta: El dibujante más Bárbaro.

Frank Frazetta (9 Febrero 1928 - 10 Mayo 2010) 

Un talento prematuro, que desde los ocho años estudió en la Brooklyn Academy of Fine Arts debido a la insistencia de sus profesores que vieron el talento que tenía. Si no hubiera sido por la muerte de su mentor en la academia hubiera proseguido sus estudios en Europa. 

Ilustrador, historietista, pintor y jugador fallido de béisbol. Este neoyorkino es una de las mayores influencias de los ilustradores modernos, creando un estilo propio, siendo inspiración para nombres tan relevantes como Boris Vallejo. 

Sus trabajos más conocidos son sus ilustraciones de la serie Conan y la cartelería realizada para la película de culto de la ciencia ficción Mad Max.
Menos conocidos, aunque también muy llamativos son los casos de los carteles para el film de Roman Polanski "The Fearless Vampire Killers" (El baile de los vampiros) o el, en este blog recomendada, "Mad Monster Party?"

Ilustración para "El baile de los vampiros"

Cartel para "Mad Monster Party"

Ilustración para "Mad Max"

Pero bueno, habiendo ya mostrado que Frank Frazetta no es un artista fácil de encasillar capaz de abarcar muchos estilos y todos con una personalidad genial, ahora toca rendir culto a lo que mejor hace. Su imaginaría bárbara no tiene punto de comparación. Además ahora está de actualidad el tema bárbaro con la película "John Carter" que seguro que nunca adivináis quien fué uno de los ilustradores para temas del cómic original.

Imagen de "John Carter from Mars" de Frank Frazetta

Tampoco hay que olvidar que faceta colaboró con DC Comics, para trabajos un tanto bizarros para comics de Buck Rogers, Vampirella o incluso Flash Gordon. Y sobre todo sus colaboraciones para la revista de terror Creepy.

Portada de Frazetta para "Creepy"

En resumen, Frank Frazetta, 100% un artista total que lamentablemente ya nos dejó el pasado 2010.

Arquitectura Muerta

Si mi madre se queja de como decoro mi habitación no se que tienen que haber pensado las madres de los que diseñaron los dos sitios que voy a describir a continuación.

Estos dos sitios de singular interiorismo se emplazan en Portugal e Italia, donde los creadores, como quien se entretiene a formar palabras en el borde del plato de una humeante sopa de letras, decidieron usar restos humanos como decoración.

Capela dos Ossos, Evora (Portual)

La Capilla de los Huesos es el lugar más conocido de esta localidad portuguesa, situado en el interior de la iglesia de San Francisco.

Inscripción a la entrada de la "Capela dos Ossos"

Una de las composiciones que decoran la capilla

El origen de esta capilla se supone que parte de la idea de los monjes de mostrar de forma tan explicita que nuestro paso por esta vida es breve y la inevitabilidad de la muerte.
Fe de ello da la inscripción que a la entrada de la capilla reza "Nos ossos que aqui estamos pelos vossos esperamos" que viene a significar "Nosotros los huesos que aquí estamos, os esperamos".

Además del mensaje espiritual que quisieran dar los monjes, la capilla surge de la problemática del espacio que ocupaban los 42 cementerios de monasterios en el siglo. XVI, y aprovechando la construcción de la iglesia se trasladaron los cuerpos a esta capilla creada por un grupo de monjes Franciscanos.

Cuerpos Momificados de la "Capela dos Ossos"

En esta mezcla de huesos, craneos y cemento se estima que hay restos de 5000 monjes. Pero no todo son piezas de esqueletos sueltas unidas de forma harmónica, también hay dos cuerpos disecados, uno de ellos es el de un niño que, cual lámpara de Ikea, cuelga de una cadena.
Cuenta el mito que los dos cuerpos momificados pertenecen a un adultero y su hijo bastardo y cuelgan para purgar su ofensa de forma pública para siempre.

Cripta Capuchina Roma (Italia)

En la Via Veneto de Roma, nos encontramos con la Cripta de los monjes Capuchinos, situado bajo la iglesia de Santa Maria della Concezione dei Cappuccini. Se trata de una instalación que consta de 6 dependencias diferenciadas, con 5 de ellas decoradas con unos 4000 frailes Capuchinos.

Una de las cinco criptas decoradas con restos de frailes.

Huesos formando una lampara en la cripta Capuchina

La cripta Capuchina presenta composiciones muy elaboradas de cráneos y huesos clavados sobre las paredes, junto a esqueletos completos y cuerpos momificados, incluso hay huesos colgados formando lo que parecen ser tétricas lamparas.
En todas las salas se vuelve a intentar mostrar lo breve e insignificante de nuestra existencia y que lo único cierto es la muerte. En la última de las criptas se muestra el mensaje "Nosotros eramos lo que tú, y tu serás lo que nosotros".

Decoración en el techo de una de las criptas.

Cuando los frailes llegaron a la iglesia de Santa María en 1631 llegaron con 300 carros de frailes fallecidos y construyeron la cripta formada con tierra traida desde Jerusalen. Cuando nuevos frailes iban falleciendo se iban desenterrando los más antiguos que pasaban a formar parte de la decoración de la cripta.

El Marques de Sade visitó la cripta de los capuchinos en 1775 diciendo que se trataba de "Una muestra de arte funerario digno de cualquier mente inglesa".



El gusto y la motivación que llevaron a realizar esta serie de monumentos fúnebres nunca ha estado muy claro. Pudo ser desde alguna costumbre malsana de un fraile con mucho tiempo libre o simplemente un toque artístico para recordar a los ya fallecidos y que se veían condenados a tener sus restos apilados junto a otro miles.

Lo que si es curioso es que en una religión como la cristiana donde hay tanta ceremonia respecto a la muerte, los monjes y frailes que son personas dedicadas a la religión terminarán siendo prácticamente cuadros clavados en las paredes.
Bueno tampoco es tanto de extrañar cuando guardar miembros modificados de santos es una tradición bastante extendida, así que igual es todo un honor para estos hombres santos.

Yo la verdad es que preferiría ser momificado y que me vendieran en un rastro como perchero, pero vamos, esto tampoco es una mala opción.

Eusebio Sempere: ¿Estoy borracho o este cuadro se mueve?

Como amante de la geometría y alicantino, mucho he tardado en mencionar a Eusebio Sempere.

Bueno antes de nada concretar que no es alicantino, sino de Onil donde nació un 3 de Abril de 1923.

A pesar de su practica ceguera de un ojo, renunció a una prometedora carrera como pirata, para convertirse en pintor, escultor y artista gráfico, y ser el mayor exponente del movimiento cinético en España.

Sus primeros pasos en el mundo del arte como no podía ser de otro modo como buen onilense fueron pintando cabezas de muñecas en una de las fabricas típicas de la localidad propiedad de su padre. Le fué complicado abandonar el mundo industrial debido a la rigidez de su progenitor pero su madre siempre le apoyó para desarrollar sus sueños y estudiar arte.

Las Cuatro Estaciones (Invierno)
perteneciente a "Guaches sobre Cartulina"

Con una beca paso 12 años de su vida estudiando en París en compañía de otros grandes genios del arte pictórico como Chillida, Kandinsky o Klee donde deslumbrado por el modernismo abandona definitivamente la figuración y se centra en la abstracción geométrica.

Comienza a trabajar muy en silencio en las obras que establecerían las bases de todo sus trabajos futuros, como una especie de alfabeto propio. Estas primeras obras forman una colección trabajada en cartulinas, llamada "Goaches sobre cartulina", una serie de geometrías simples planas que por su disposición aparentan volúmenes complejos y movimiento.

El Organo, expuesto en Madrid

En Paris es donde contacta con el movimiento óptico-cinético con los que, en una original investigación sobre los efectos de la luz, realiza una serie de instalaciones escultóricas con efectos cinéticos y elementos luminosos muy innovadores que lo colocan en la denominada "Última vanguardia".

De vuelta en España en 1960 comparte sus conocimientos con escogidos grupos de artistas siendo para éstos una referencia. Durante este período recibe una beca de Ford para viajar a Estados Unidos lo que desemboca en su colaboración en el pabellón español en la Exposición Universal de Nueva York de 1964 (La escultura metálica de la bola del mundo destruida en el final de Men in Black es de esta exposición).

En reconocimiento a su trabajo y aportación al arte recibio en 1983 el premio Príncipe de Asturias, ademas de ser nombrado hijo predilecto de Alicante y doctor honoris causa de la Universidad de Alicante. Fallece en su ciudad natal tras una larga enfermedad en 1985.

Los que vivimos en Alicante y sus proximidades tenemos el placer de poder disfrutar de sus obras en lugares públicos como el Aeropuerto o en la conocida como "Plaza de la Estrella" por su famosa obra.

También altamente recomendable pasarse por el museo de arte moderno de Alicante, MACA, donde hay una extensa colección sobre este genio (http://www.maca-alicante.es/). Curioso de este museo resulta el "empujador", encargado exclusivamente de empujar las obras para que el visitante vea el efecto de las obras cinéticas del autor. Yo de mayor quiero trabajar de eso.

Obra "Como una Estrella" en Alicante

GUSTAVE DORE. La primera superestrella de la ilustración.

Siempre he estado fascinado con la ilustración del siglo XV, básicamente porque fué el siglo de la ilustración anatomica y la ilustración de DaVinci.

La ilustración anatómica de la época es una ilustración que necesitaría un tema aparte, donde la exactitud y el tenebrismo que destilan es asombroso, sin olvidar la increíble utilidad didáctica y avance que supuso en la época. DaVinci quizás me fascina más por su dibujo de ingeniería con cierto aroma mágico y herético.

Sin embargo en la actualidad estamos acostumbrados a otro tipo de ilustradores, de carácter menos cientifico y centrados mucho mas en lo artístico que en la divulgación cultural, como los hiperconocidos Luis Royo o Dorian Clavenger por nombrar a un par.

Gustave Dore, es el paso intermedio entre la ilustración puramente científica y los "ilustradores de alfombra roja" actuales. A los 15 años publicó su primer libro de ilustraciones, una precocidad poco usual, incluso actualmente, donde es mas fácil el acceso a todo tipo de herramientas para el diseño. Nacido en Estrasburgo en 1832, en una época donde el negocio de la ilustración se centraba en la ilustración de sátira y cómica, su ascenso fue meteórico cobrando ya sumas astronómicas por sus encargos a muy temprana edad, superando en ganancias a ilustres como Honoré Daumier.

Su dibujo se centra principalmente en ilustración de obrar literarias, donde se puede ver trazas del fascinante dibujo del siglo XV, pero con un toque de fantasía quizás influenciado por la complejidad de las obras a ilustrar. De las obras mas conocidas quizás destacar las realizadas para La Biblia, La Divina Comedia, o incluso para autores ingleses como Poe con El Cuervo, hecho que da idea de la magnitud de la fama que alcanzó Dore.

(Ilustración de La Biblia)

(Ilustración de La Divina Comedia)

(Ilustración de una serie para cuentos de Perrault)

Los libros hacen volar nuestra imaginación. Unos libros mas que otros, y Dore consiguió captar la esencia de los libros para crear unas ilustraciones únicas que sirven como albúm fotográfico de nuestro mejor viaje por el mundo de la literatura y nos harán rememorar esas grandes obras.

Lo que Peter Jackson hizo con el Señor de los Anillos con una cámara, actores y muchos efectos especiales. Lo hizo Gustave Dore casi 200 años antes, con un lápiz y un papel con dos de los libros mas vendidos del mundo, el Quijote y la Biblia.

H.R. Giger ... El octavo pasajero.

Hans Ruedi Giger, artista gráfico y escultor suizo que comenzó su carrera como decorador de interiores. Nacido en Coira el 5 de febrero de 1940, en la actualidad es uno de los grandes mitos dentro del diseño/ilustración mas oscura.

Como todo gran genio que alcanza el estrellato mundial, debe su fama a un punto de inflexión en su carrera sin el cual habría seguido sido un genio, pero uno mas de los miles que no se topan con la diosa fortuna y su arte a penas les sirve para sobrevivir.

Hans Ruedi Giger puede estar agradecido a que por el año 1979, un director prácticamente novel, conociera su obra y decidiera confiarle el diseño de escenarios y del personaje principal.

Quien todavía después de leer el titulo de este post y con las pistas dadas hasta ahora no sepa de que estamos hablando no se merece vivir.

Pues sí, hablamos de Ridley Scott, y el hijo que comparte con Giger llamado Alien fueron el trampolín que catapultaron la carrera del artista.

Quien debe más a quien es difícil de decidir. Pero una cosa en que Hans le lleva ventaja a Ridley es en número de Oscars. Giger obtuvo en 1980 el oscar al mejor diseño de escenarios mientras que Ridley puede esperar sentado su oscar, porque si con peliculas como Alien o Blade Runner no fue candidato ni a mejor pelicula o director... pero bueno, ya sabemos todos como funciona Hollywood.

La carrera de H.R. Giger siempre ha estado ligado al cine, donde además de las colaboraciones en la saga Alien, también formo parte del diseño de Portergeist II, o fue el responsable de Species.

Como curiosidad decir que también diseño un Batmovil para la pelicula Batman Forever que finalmente la Warner rechazó. También trabajó en el proyecto de Dune, antes de que Lynch se hiciera cargo del trabajo definitivo de la película.

Los aficionados a la música también podrán observar la marca Giger en multitud de diseños de portadas siendo los pioneros los maestros del rock progresivo Emerson Lake and Palmer con su Brain Salad Surgery (1973), pero otros de los artistas de renombre muy ligados a la obra del artista han sido Celtic Frost, Dancig o Dimmu Borgir por poner un par de ejemplos.

Su obra es una fusión obscena entre el hombre y la máquina, con unos paisajes industriales que parecen respirar por si mismos, con una oscuridad latente durante toda su obra, tendencia marcada por el suicidio de uno de los amores de su vida. Es el ilustrador perfecto para cualquier obra de Lovecraft. Entre sus inspiraciones podemos remarcar a Erns Fuchs, Jean Cocteau y Salvador Dalí.

En la actualidad existe un museo dedicado a H.R Giger en Gruyères, en Friburgo, Suiza.

http://www.hrgigermuseum.com/

Perdía el tiempo y encontré... Magritte

No siempre vagar por internet te lleva a una irremediable pérdida de tiempo, a veces te sorprende redescubriendote pequeñas maravillas ya largamente olvidadas.

Esta vez ha sido un artista del Surrealismo, ni nada más ni nada menos que el señor Rene Magritte.

Quizás su cuadro mas conocido o mas representativo sea "Golconde", aunque a todos nos da por llamarlo "It's raining men" gracias a la canción de las Weather Girls.

Para mi gusto sin embargo su obra más cautivadora es "El poder blanco" por su enigmática presencia y un aire a las obras de geometrias imposibles de Escher.

Pero sin embargo en esta ocasión lo que me ha despertado el interés en este peculiar artista, es el mensaje que transmite en sus cuadros. Lejos demencias meditadas de otros artistas surrealistas, Magritte transmite muchas veces un mensaje sutil, ligeramente incomprensible, muchas veces cínico y sátiro, no queriendo quedarse en el mensaje plástico de la pintura como buen publicista que era.

Evidencia de esta critica al mundo del arte en particular y de la condición humana en general están las obras denominadas "La condición humana" donde bajo mi punto de vista se ríe de llamar arte a una mera imitación de la realidad, incluso riendose de si mismo en esa vanidad del artista que copia lo ya existente de la forma mas cómoda y encima pretende demostrar así que es mejor que el resto.

Por último y también en la línea de mofarse del trabajo de otros y a la misma vez mofarse de si mismo, Magritte tiene unas obras donde sustituye personas en cuadros de renombre por ataudes, volviendo a su idea de que el cuadro no debe quedarse como un objeto decorativo sino ir más alla y transmitir un mensaje.

Esta obra se llama "Perspectiva: El balcon de Manet", donde Magritte se ceba en el pintor expresionista autor de "El Balcon". Este cuadro a su vez es una imitación de un cuadro de Goya "Majas en el balcon", en el que se elimina toda oscuridad y transfondo social y haciéndolo un cuadro insípido respecto al original. En el cuadro de Manet curiosamente todas las figuras pertenecen a distintas facetas artísticas (música y pintura) a las que Magritte sutilmente y con mucho humor negro mata sustituyendolas por ataudes, y con este toque de humor nos da su peculiar perspectiva de la obra del pintor francés.